situación social de la mujer y los aspectos de la historia del cine, en su proyecto más ambicioso hasta la fecha: la película de horror “La asesina de la oficina”(“Office Killer”, 1997).
Es una artista estadounidense, estudia arte dedicando una especial atención a la fotografía. Realiza autorretratos fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada: situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras en color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta.
Sus formas cercanas y sus mensajes irónicos, asimilan la tiranía visual propia de la televisión, la publicidad y las revistas. El paso a un formato cada vez más grande va en paralelo a la fragmentación de la representación de la figura de Sherman como protagonista, tendiendo algunos de sus temas a la violecia, la crítica política o el erotismo. Tanto el MoMA como la Tate Modern de Londres, poseen un amplio repertorio de su obra.
Perfomance El MoMA de Nueva York en el año 2010 rindió homenaje, mediante una retrospectiva de su obra, a la artista Marina Abramovic. Incluyendo una perfomance que se tituló The artist is present (La artista está presente).
En un cuarto blanco, una mujer de unos sesenta y cuatro años permanece sentada, inmóvil, con la mirada fija en la persona sentada frente a ella. No hay intercambio de palabras o contacto físico alguno. Este gesto se repite idéntico siete horas al día, seis días a la semana, durante dos meses y medio. Marina compartía un minuto en silencio con cada extraño que se sentaba frente a ella.
En los años 70, Marina Abramovic (artista serbia de performance) mantuvo una intensa historia de amor con Uwe Laysiepen, conocido como Ulay. Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo. En 1988, cuando su relación ya no daba para más, decidieron hacer un viaje espiritual que daría fin a su relación. Recorrieron la Gran Muralla China, empezando cada uno de un lado, para encontrarse en el medio, abrazarse y no volver a verse nunca más.
¿Cuáles son las diferencias entre el arte interactivo y el arte clásico?
el arte interactivo y como se diferencia del arte clásico en muchos aspectos. Para que el arte sea interactivo tiene que haber conectividad: no solo conectividad entre mentes y maquinas, entre maquinas, y toda la red de interacciones que ocurren entre las mismas.
Tiene que haber inmersión del ciberespacio para referirme a todo el campo dentro del cual se produce la interacción por internet y de otros tipos. la intención supone un efecto reciproco con uno o dos o más miembros o partes de la red, de manera tal que una cosa afecte a la otra y le sume sentido. Y como resultado de eso, tiene que producirse algún tipo de transformación, en el sentido más obvio de la palabra, en la pantalla. La pantalla no es fija los datos no son permanentes.
En el arte clásico vemos un interés por llegar a una resolución, ya sea una narración una estructura o lo que fuera. Y en el campo digital hablamos de lo emergente
¿Qué es el arte telemático?
los medios que utilizamos y que vamos a utilizar cada vez más como artistas, arquitectos, constructores de ciudades, e incluso como una reconsideración - si no reestructuración - la naturaleza misma. entonces, la biología y la computación se están acercando y la idea que tenemos de la metafísica está cada vez más relacionada con nuestra idea de la física cuántica.
Realidad sincrética, ¿entre qué?
Nuestra realidad se está volviendo cada vez más sincrética.
Se trata de reunir entidades distintas - tanto materiales como no materiales - y sus costumbres y códigos filosóficos, religiosos y culturales, es decir, la suma de los conocimientos emergentes y la sabiduría de la cultura más antiguas, que suele adoptar lo desconocido, lo extraño o lo proscrito. es una forma nueva de abordar el conocimiento y todos sus atributos. Así que el pensamiento sincrético es asociativo y no lineal.
el sincretismo entonces no consiste solamente en reconciliar diferencias, que es el uso habitual de la palabra, sino en enfrentar al enemigo, pelear con él. Es lo que el arte hace: tiene que pelear con el enemigo, que es el habito, es decir la repetición de conductas, opiniones percepciones y valores sin sentido crítico alguno la consagración de metáforas y verdades a la que se les paso la fecha de vencimiento.
Juan Pablo Ordóñez es un artista multifacético, que en su obra ha utilizado la pintura, el performance y el video en conexión con los espacios y los contextos específicos donde trabaja. De esa forma aborda temas relevantes para la historia reciente del país, pero siempre a partir de una visión personal, no abstracta sino que profundamente arraigada en la vida misma. Varios de sus proyectos se han desarrollado a lo largo de años de preparación y concepción, como San Salvador (2006-2011) para el cual Ordóñez trabajó con una comunidad del alto Amazonas ecuatoriano. Se trata, en ese sentido, de un trabajo que no busca relacionarse sólo con el ámbito artístico, sino que nace del deseo de tener un alcance mayor, que toque cuestiones directamente políticas y sociales.
JUAN PABLO ORDÓÑEZ
Cuenca, Ecuador, 1975 | Vive y trabaja en Cuenca
En colaboración con Melina Wazhima:
Archivo AMAME – Proyecto Videocartas Abiertas , iniciado en 2004
Juan Pablo Ordóñez es un artista multifacético, que en su obra ha utilizado la pintura, el performance y el video en conexión con los espacios y los contextos específicos donde trabaja. De esa forma aborda temas relevantes para la historia reciente del país, pero siempre a partir de una visión personal, no abstracta sino que profundamente arraigada en la vida misma. Varios de sus proyectos se han desarrollado a lo largo de años de preparación y concepción, como San Salvador (2006-2011) para el cual Ordóñez trabajó con una comunidad del alto Amazonas ecuatoriano. Se trata, en ese sentido, de un trabajo que no busca relacionarse sólo con el ámbito artístico, sino que nace del deseo de tener un alcance mayor, que toque cuestiones directamente políticas y sociales.
En la 12 Bienal de Cuenca, Juan Pablo Ordóñez y Melina Wazhima presentan por primera vez en su integridad el archivo AMAME (Archivo de la Memoria Audiovisual de la Migración Ecuatoriana) es un proyecto que este año cumple 10 años y que reúne centenas de videocartas enviadas por viajantes ecuatorianos a lo largo de 40 años. Se trata de un conjunto único de memoria histórica de las experiencias de millones de ecuatorianos que decidieron dejar el país, sobre todo entre 1999 y 2007, debido a la grave crisis económica. Esta primera presentación pública del AMAME coincide además con un momento histórico muy significativo, el del retorno. Después de décadas de abandonar el país, muchos ecuatorianos están de regreso debido a la marcada recesión internacional.
Los integrantes del Fluxus fueron los impulsores de la creación del arte postal. El año 1962 es considerado el momento formal de su surgimiento, cuando el artista neodadaísta americano Ray Johnson (1927-1995) crea su "New York Correspondance School of Art". No obstante, antes de este hecho, muchos artistas ya utilizaban el medio postal en sus producciones para intercambiar creaciones y experiencias artísticas, estableciendo así diálogos sin fronteras. Las experiencias de los futuristas, dadaístas, surrealistas, artistas pop, neodadaístas, neorrealistas y conceptualistas están entre los antecedentes históricos de esta forma de comunicación artística. Artistas postales ocasionales, segun Campal (1997), fueron celebridades como Pablo Picasso (1881-1973), Henri Matisse (1869-1954), Marcel Duchamp (1887-1968), Kurt Schwitters (1887-1948), Max Ernst (1891- 976) y Francis Picabia (1879-1953).
La única y notable diferencia que Campal (op.cit.) considera en el estado de las cosas antes y después de la iniciativa de Ray Johnson es que, hasta la normalización del nuevo vehículo de expresión, los correos eran utilizados de manera esporádica por los artistas plásticos.
Hoy, sin embargo, el arte postal cuenta no solo con artistas plásticos, sino también con poetas, músicos, arquitectos, fotógrafos - conocidos o no -, que encontraron en ese medio una manera particular y especial de expresión.
La creación del arte postal se debe a distintos motivos, entre los cuales están, según Guy Bleus (2001): el descontento con la política del arte y con las galerías "importantes"; la necesidad de ampliar la función artística del creador, formando parte de proyectos internacionales y publicaciones y participando en exposiciones sin comisarios y sin muchas exigencias. Para el artista postal, el arte es, sobretodo, un producto de comunicación y no una mercancía. Como resultado, crea su propio lenguaje, anteponiéndose a los medios de comunicación de masa. Se caracteriza por ser una manera rápida y amplia de difusión artística. La facilidad de su producción, almacenamiento y consumo, hacen del arte postal una manifestación artística donde su modo de hacer es cotidiano y está al alcance de cualquiera.
Eugenio Dittborn
rtista visual, pintor y grabador, Eugenio Dittborn Santa Cruz, nació en Santiago de Chile en 1943. Estudió dibujo, pintura y grabado en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile de 1961 hasta 1965 y completó su formación estudiando en varios países de Europa. En el principio de la década de los setenta, cuando regresa a Chile, se relaciona su nombre con los movimientos de vanguardia del país. A pesar de haber iniciado su carrera artística bajo una línea eminentemente gráfica, su producción se desarrolló en el área del arte conceptual. En la década de los ochenta realizó varios trabajos en vídeo arte.
A partir de 1984, empieza a trabajar en las denominadas "Pinturas Aeropostales", serie realizada en técnica mixta, en un soporte especialmente configurado para ser doblado y enviado en sobres dibujados por el propio artista. Esas obras sólo se concretizan después de un cuidadoso proceso de pliegues y de su envío a diferentes ciudades del mundo a través de la red internacional de correos, trasladandose de un lado a otro como si fueran simples cartas. Cuando llegan a sus destinos las Pinturas Aeropostales son desdobladas y expuestas junto a sus sobres en los más diversos museos y galerías. La temática explorada por Dittborn se concentra tanto en la crítica de los medios tradicionales de representación como en el modo de vida de sus coetáneos. Además, el hecho de que las Pinturas Aeropostales sólo se concreticen cuando cumplen el trayecto elegido por el artista en dirección a diferentes contextos culturales, pone en cuestión los conceptos de materialidad, temporalidad y espacialidad de una obra de arte. De ese modo, presenta "un arte que ha asumido plenamente la globalización de la cultura y la reconstrucción del canon occidental" (GUASCH, 2000, p. 577).
Paulo Bruscky
Artista plástico y dibujante, nació en Recife/PE en 1949, hijo de un fotógrafo polaco y de una pernambucana. Prioriza las investigaciones experimentales en su trabajo. A partir de 1969, aumenta sus realizaciones en el campo del arte conceptual y experimental haciendo investigaciones múltiples que implican el espacio y el ambiente, intervenciones y materiales diversos, como los happenings, sellos de goma, copy art, audio arte etc.
Desarrolla, a partir de 1970, investigaciones en copy art (electrografía), exponiendo los resultados en una muestra individual en la Galería Empetur de Recife. En 1973 ingresa en el Movimiento Internacional de Arte Postal. En 1974 estrena con Daniel Santiago el Movimiento/Manifiesto Nadaísta, donde hace uso del suporte super-8. Los materiales más utilizados en su trabajo son el hielo, el humo, la tecnología, haciendo uso del tiempo y de "cosas sensoriales" también como elementos de creación. Fue un pionero en la aplicación artística de múltiples tecnologías, como la grabación electrónica, proyección de diapositivas, fac-símiles, filme super-8, vídeo, reprografía, off-set y mimeógrafo, siendo también el pionero del vídeoarte fuera del eje "Rio de Janeiro - Sí£o Paulo". Es el más entusiasta promotor del arte postal en Brasil, publica manifiestos y ensayos sobre el tema, y su nombre aparece en la mayoría de convocatorias organizadas en todo el mundo. Cabe destacar que este artista, por su propia opción, nunca ha vendido ninguna de sus obras.